Après-midi de projections

Forensickness

Lého Galibert-Laîné, 2020

Film au sujet d’un autre film, le brillant Watching the detectives de Chris Kennedy, Forensickness est à la fois un desktop movie et une comédie policière ayant pour cadre l’attentat commis en 2013 pendant le Marathon de Boston. Il reprend à son compte le principe de son modèle : enquêter sur l’enquêteur. Lého Galibert-Laîné déshabille les procédés de l’enquête avec brio en jouant le jeu des correspondances et de leur fabrique. Il révèle non sans malice que l’art de l’enquête est celui, cinématographique, du montage.

Cette mise en rapport de deux choses sans rapport fait toujours son effet : celui d’une révélation. Poursuivant son incursion dans l’univers du cinéma, il adapte son outillage de chercheur universitaire, fait de citations, d’archives, d’emprunts et de remplois, à l’esthétique d’un genre cinématographique particulier, le found footage. Forensickness démontre ainsi joyeusement que tout se combine avec tout. Jusqu’au dévoilement final qui nous laisse à une délicieuse jubilation et à l’idée qu’une image, apparue à l’écran ou épinglée sur un mur, avant d’être un contenu signifiant, est une surface de projection.

[Texte de Claire Lasolle]

Daw

Samir Ramdani, 2023

Une ouverture digne d’un blockbuster de science-fiction, genre que Samir Ramdani affectionne particulièrement. Mais les ingrédients sont décalés : énergie des adolescents qu’on appelle « des quartiers » (en fait Saint-Fons), moyens et espaces qui revendiquent leur modestie, musique qui habille les séquences d’un voile hollywoodien minimal. Le schéma narratif est limpide : des adolescents ont disparu. Samir Ramdani, en flic indolent, et sa supérieure Samira doivent les retrouver. Autant d’éléments pour investir les potentialités de la fiction politique et aborder tabous et stéréotypes de la société française à l’égard des Français d’origine algérienne.

Ainsi quand Samira discute au téléphone avec le préfet de l’avancée de l’enquête, elle passe subrepticement à la langue arabe ; Samira est lesbienne ; son ex-copine est prof de boxe.

Daw, ouvertement féministe et décolonial, se met ainsi au service des enfants de la diaspora pouvant ignorer l’origine du mot ratonnade comme le massacre du 17 octobre 1961. Fiction émancipatrice déguisée en film de genre, Daw affirme l’urgence de l’appropriation des héritages avec à l’esprit que « Celui qui ne connaît pas l’histoire est condamné à la revivre ».

[Texte de Claire Lasolle]

Hier.

Wendelien van Oldenborgh, 2021

Hier. navigue avec aisance entre réflexions politiques et souvenirs personnels, porté par une constellation de voix et une matière poétique. Au Museum Arnhem (Pays-Bas), en pleine rénovation — un lieu de conservation en transition —, nous rencontrons un groupe de jeunes femmes qui s’expriment à travers la musique, la poésie et le dialogue. Ensemble, elles explorent avec sensibilité des thèmes tels que l’hybridité, la transnationalité et les sensibilités diasporiques : en somme, l’instrumentalisation politique de l’identité et le renouveau culturel face aux échos persistants de l’histoire coloniale dans la société contemporaine.

Aux côtés des protagonistes, le lieu lui-même devient une « voix » signifiante. Le Museum Arnhem fut à l’origine construit à la fin du XIXe siècle comme un « club en plein air » — un club de gentlemen fondé par des habitants d’Arnhem n’ayant pas le statut social nécessaire pour rejoindre la Groote Sociëteit, située au centre-ville. Beaucoup d’entre eux avaient un passé lié à la colonisation. Dans le film, on découvre le bâtiment mis à nu, ramené à ses fondations, où béton usé et détails élégants de l’Art nouveau coexistent. Dans ce décor contrasté, fait de ruines et de possibles, trois « lignes sonores » se déploient : le groupe FRED improvise à partir de la musique traditionnelle kroncong avant de passer à une composition contemporaine ; Pelumi Adejumo lit un texte né de réflexions partagées ; Lara Nuberg réagit spontanément à divers documents, témoignages, à la musique, et au bâtiment lui-même.

À travers musique et poésie, le film donne à entendre non seulement des urgences sociopolitiques, mais aussi des thèmes plus profonds, existentiels, et empreints de vulnérabilité. Avec douceur mais assurance, on voit naître des liens d’amitié et de collaboration. Il est question d’amour, de la douleur qui l’accompagne, de grandes questions de vie et de certitudes — autant de points d’appui pour envisager un futur en transformation.